Ce nouveau mouvement artistique est né d’une prise de conscience de la nature, d’un renouveau des études classiques et d’une vision individualiste de l’homme. 

Le mot « renaissance » signifie « renaissance » en français. Les chercheurs pensent que les gens étaient très intéressés par la nature et l’apprentissage humaniste aux 15e et 16e siècles. La principale caractéristique de la période de la Renaissance est un individualisme naissant qui a donné lieu à des changements économiques et sociaux. En outre, la vie a beaucoup changé. La séparation de l’Église et de l’État, l’essor de l’économie rationnelle et la mobilité sociale ont influencé toutes les sphères de la vie, et l’art n’a pas fait exception.

Développement historique

La Renaissance est toujours associée à la ville italienne de Florence. Ainsi, lors de la chute de l’Empire byzantin, de nombreux savants et personnes talentueuses ont fui vers l’Europe (Florence), apportant avec eux des textes classiques. Une autre raison de la Renaissance en Italie est le conflit entre les Maures et les chrétiens en Espagne. Il a entraîné une émigration croissante vers Florence. Les érudits, les poètes, les écrivains et les hommes de science ont créé une atmosphère propice à l’épanouissement de l’art. 

À la suite de la peste noire (une pandémie de peste), une famille influente – les Médicis – s’installe à Florence. Depuis ce moment, les membres de cette famille ont produit des affaires et même dominé la ville. Pour démontrer leur richesse et leur pouvoir, ils sont devenus les mécènes des artistes les plus talentueux. 

La peste a montré que l’église ne pouvait pas résoudre certains problèmes principaux de l’époque. C’est pourquoi les gens doutaient de la nécessité de s’en remettre à cette institution. Les gens se sont davantage concentrés sur le moment présent, qui est devenu une partie intégrante de la philosophie humaniste de la Renaissance. 

De la période de la Renaissance est née l’expression « homme de la Renaissance ». Cette expression décrit des personnes aux talents variés, comme Léonard de Vinci, qui réussissaient dans de multiples domaines.

Le mouvement intellectuel

Après le Moyen Âge, le monde avait besoin de nouvelles idées, et l’humanisme a fait office de méthode de pensée. Il s’agissait d’une évolution de l’esprit humain lorsqu’il ne suivait plus sans réserve les règles de l’église, mais se concentrait plutôt sur les décisions et les créations humaines, glorifiant l’individualisme.

Certains humanistes restaient religieux, mais ils étaient sûrs que Dieu avait eu des caractéristiques et des possibilités humaines. L’humanisme de la Renaissance portait sur la manière d’être un humain. Son origine remonte au 14e siècle, lorsque le terme Renaissance était étroitement associé à Francesco Petrarca, connu comme le fondateur de l’humanisme et de la Renaissance.

Il fut le premier à trouver les lettres de Cicéron et à les traduire. Elles ont à leur tour influencé d’éminents intellectuels, savants et artistes italiens. 

L’art de la Renaissance

L’art de la Renaissance se concentrait principalement sur les humains et la nature. La technique de peinture s’est améliorée : les personnes étaient représentées de manière plus réaliste et montraient des émotions. De plus en plus d’artistes se sont tournés vers l’art romain et grec, en particulier la peinture et les arts décoratifs. Ils se sont inspirés de ces œuvres. C’est pourquoi les peintures avaient un aspect tridimensionnel et plus réaliste. 

Les mécènes ont voulu soutenir les artistes qui veulent développer de nouvelles techniques. Comme au Moyen Âge, l’Église avait commandé des œuvres d’art, et cela s’est poursuivi pendant la Renaissance. 

Comme nous l’avons mentionné, grâce aux mécènes et à l’église, les artistes pouvaient exprimer librement leur créativité. Par exemple, les plus célèbres mécènes, les Médicis, ont soutenu des artistes tels que Raphaël, Michel-Ange, Botticelli et De Vinci. 

Un descendant de la famille Médicis, le pape Léon X, a introduit l’art religieux à Florence entre les années 1490 et 1520, période de la Haute Renaissance.

La musique de la Renaissance

La musique a changé : de nouveaux instruments ont été inventés – le clavecin et le violon. La musique a été largement diffusée grâce à l’imprimerie.

Comme toute autre forme d’art, la musique de la Renaissance glorifiait les traits humains. Elle était dédiée aux humains et faite pour eux : les compositeurs visaient à toucher les auditeurs sur le plan émotionnel. 

À cette époque, la musique est devenue inextricablement liée à la poésie : les compositeurs ont commencé à intégrer davantage de paroles dans leurs compositions.

Les hommes les plus remarquables qui ont créé de la musique entre 1400 et 1600 sont John Dunstable, Guillaume Du Fay, Johannes Ockeghem, Josquin des Prez et Thomas Tallis.

Littérature et théâtre de la Renaissance

La fin du 15e siècle et le début du 16e siècle ont été une période de grands changements dans la littérature et le théâtre. Commencée à Florence, la Renaissance s’est répandue dans toute l’Europe et a atteint la Grande-Bretagne, où elle a été appelée la Renaissance anglaise. 

Fondée sur la tragédie et la comédie classiques, la littérature de la Renaissance se caractérise par des thèmes humanistes. Le « Hamlet » de Shakespeare est un excellent exemple d’œuvre de la Renaissance. Et Hamlet lui-même est un homme instruit de la Renaissance.

Au départ, il n’y avait pas de système de redevances pour les écrivains et les dramaturges jusqu’à la fin de la période. Le premier poète à rassembler ses œuvres pour les publier était Ben Jonson, et le premier écrivain à toucher des droits d’auteur (à partir de la première édition du Paradis perdu) – était John Milton.

Il existait plusieurs institutions pour pratiquer la poésie : la cour royale et l’église.

Certains écrivains ont trouvé un foyer dans les premiers théâtres publics de Londres (dont le Globe construit en 1599). William Shakespeare, Christopher Marlowe et Ben Jonson ont mené leurs expériences sur scène. Il y avait non seulement des hommes poètes et écrivains, mais aussi des femmes. Les poètes féminins les plus célèbres sont Mary Wroth, Margaret Cavendish et Aemilia Lanyer.

La presse à imprimer a favorisé l’intérêt pour la littérature de la Renaissance. Ainsi, de nombreux écrivains talentueux ont pu publier leurs pièces dans toute l’Europe et même dans le monde entier.

La science de la Renaissance

Les savants de la Renaissance ont ressuscité la croyance grecque selon laquelle « la création était construite autour de lois et de raisonnements parfaits ». La période de la Renaissance a vu l’évolution d’études telles que l’astronomie, l’anatomie, la géographie, l’alchimie, les mathématiques et l’architecture. 

La découverte la plus importante de cette époque est la théorie du système solaire héliocentrique publiée par un astronome et mathématicien polonais – Nicolas Copernic. Dans cette théorie, le soleil était placé au centre du système solaire. Cette percée a été interdite par l’Église catholique. Plus tard, le successeur de Nicolas Copernic – Galilée – a été accusé de soutenir le système héliocentrique, que l’Église catholique a condamné comme un enseignement hérétique et a été brûlé sur le bûcher.

Comment la Renaissance a-t-elle changé le monde?

La Renaissance a constitué une transition entre le Moyen Âge et le monde moderne. Les développements dans les domaines de la science, de la philosophie et de l’art ont marqué une nouvelle ère où les gens ne croyaient plus en l’église et vivaient dans le présent en se concentrant sur la nature humaine et en glorifiant la science. Les innovations technologiques, comme la presse à imprimer, ont permis à de nombreux écrivains de trouver des lecteurs fidèles, voire de devenir célèbres. 

Cependant, si cette période a eu un impact positif sur l’Europe, l’hémisphère occidental a souffert de fléaux et les survivants se sont retrouvés réduits en esclavage – sous la domination des colons européens. 

La question de l’impact dévastateur de la colonisation européenne et de l’esclavage fait l’objet d’un débat animé dans le monde entier. 

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On le qualifie de réformateur de l’art et de fondateur du réalisme. Ils disent qu’il a apporté un flair théâtral reconnaissable aux peintures. Le monde entier le connaît sous le nom de Caravage, mais son vrai nom était Michelangelo Merisi. Oui, l’homonyme de l’autre légendaire Michel-Ange, qui nous a laissé tant de joyaux à admirer. Caravaggio est une ville italienne située à 40 kilomètres à l’est de Milan – le lieu où le peintre a passé son enfance.

Un jalon pour Caravaggio et l’ensemble de l’art baroque

Lorsque nous pensons à Michelangelo Merisi de Caravaggio et que nous discutons de ses œuvres, nous évoquons L’Appel de Saint Matthieu, Narcisse, David avec la tête de Goliath, L’Enlèvement du Christ, Garçon mordu par un lézard – les chefs-d’œuvre incontestés. Il est rare que l’on évoque le tableau représentant une scène de jeu dans une discussion. Mais pourquoi « Les Tricheurs » étaient-ils si importants pour toute l’histoire de l’art? Et l’étaient-ils vraiment?

La réponse est sans équivoque: oui, ils l’étaient. Sans « Les Tricheurs » et un autre tableau représentant une scène de rue ordinaire (« La Diseuse de bonne aventure »), le Caravage ne se serait probablement jamais lancé dans un travail plus sérieux ou, compte tenu de sa personnalité tempétueuse et querelleuse (oui, il était très impulsif), n’aurait pas vécu assez longtemps pour devenir aussi bon et peindre autant.

Grâce aux joueurs de cartes et au diseur de bonne aventure, Caravage a été remarqué et a acquis quelques amis puissants qui avaient assez d’argent pour l’engager pour faire quelque chose de grandiose et l’aider à se sortir des problèmes.

• La Diseuse de bonne aventure (1ère et 2ème versions ; 1594, 1595), Le Caravage.

Ces tableaux n’ont pas bouleversé le cours de l’art baroque en une nuit, en soi, mais ils ont certainement marqué un tournant dans la vie et la carrière du Caravage, qui allait devenir le maître que nous connaissons après des siècles.

Michelangelo Merisi de Caravaggio a peint ses « Les Tricheurs » après avoir quitté l’atelier où il travaillait pour le Cavaliere d’Arpino et apprenait de lui. L’artiste et son apprenti s’étaient occupés d’images de fruits et de fleurs produits en masse. Lorsque Caravage est parti, il a commencé à essayer de vendre ses propres œuvres de manière indépendante.

La scène de la rue, aussi commune pour un joueur en ligne d’aujourd’hui jouant à des jeux de casino à partir d’un smartphone et insérant bonus sans dépôt casino, « Les Tricheurs » du Caravage a émerveillé sa connaissance et un peintre établi Prospero Orsi. Le mélange d’une technique élaborée et détaillée et d’un drame de bas étage sortait de l’ordinaire, et Orsi a commencé à parler à tout le monde du génie de Caravage et de son style unique et nouveau. Il présente le jeune peintre à son réseau de contacts précieux – collectionneurs d’art et mécènes. L’une des personnalités les plus en vue de la région, le cardinal Francesco del Monte, achète les « Cardinaux » et devient le premier mécène du Caravage, donnant ainsi le feu vert à l’artiste à la croisée des chemins.

Les Tricheurs

Un jeune homme bien habillé, qui doit être issu d’une famille aisée, joue à un jeu de cartes, précurseur du poker, appelé Primero. De toute évidence, le garçon ne sait pas qui sont ses adversaires. À en juger par le regard étranger qu’il porte, il n’aurait pas cru qu’il était impitoyablement trompé, même s’il avait vu les cartes dans le dos de son adversaire. Une simple dupe innocente – quelle proie facile pour le duo de  qui semble prêt et concentré.

Le plus âgé regarde les cartes du garçon et fait signe à son jeune complice de quelle carte ils vont avoir besoin. L’homme porte un gant sans doigts – un tel design l’aidera à sentir et à trouver les cartes marquées dans le jeu. Son complice prend les cartes cachées sous sa ceinture et les change.

Le tableau comporte de nombreux détails fastidieux et, en même temps, montre un épisode émotionnel, simple dans sa brutalité et sa clarté.

La « Diseuse de bonne aventure » est une autre scène de crime quotidienne qui suit cette idée. Vous ne le remarquerez peut-être pas au premier coup d’œil, mais la gitane retire habilement la bague de l’homme tout en touchant délicatement sa paume et en le regardant énigmatiquement dans les yeux. Ne vous sentez pas trop mal: vous n’êtes pas seul. L’homme du tableau est tellement enchanté qu’il ne le remarque pas non plus.

L’influence de Caravage

• Corbeille de fruits (1599), Le Caravage.

Selon Bernard Berenson, historien de l’art américain, aucun autre peintre italien, à l’exception de Michel-Ange, n’a eu une influence aussi profonde sur l’art que le Caravage. Non seulement il a (prétendument) peint la première nature morte de l’histoire de l’art italien – Corbeille de fruits – mais il a également réussi à lancer sa propre tendance artistique sans même essayer de le faire. Michelangelo Merisi n’a jamais trouvé d’école ou d’atelier où il aurait pu donner des conférences sur la vision philosophique de l’art et répandre son influence. En fait, il n’a jamais mis en mots aucune de ces idées: il s’est contenté de peindre. Les plus grands artistes comme Rubens, Rembrandt, Ribera et Bernini ont suivi ses modèles et appris de ses techniques. Et des années et des années plus tard, les historiens de l’art ont compris que ce que faisait le Caravage devait être appelé l’introduction du « réalisme psychologique » sur la toile. Il est également célèbre pour avoir activement mis en œuvre le contraste entre l’ombre et la lumière dans ses tableaux, en utilisant la technique dite du « clair-obscur » (de l’italien « clair-obscur ») et du ténébrisme (ou illumination dramatique). Dans les œuvres du Caravage, l’obscurité profonde et intense est à la fois un personnage et un outil. Le peintre l’utilisait pour créer un faisceau presque théâtral de projecteurs et attirer l’attention du spectateur sur une scène dramatique ou un conflit psychologique. Il suffit de regarder ses œuvres emblématiques:

• L’Appel de Saint Matthieu (1599 – 1600);

• David avec la tête de Goliath (1610);

• Narcisse (1597 – 1599);

• Saint Jérôme (1605 – 1606).

Le Caravage, le transgresseur de la loi

Alors que les disciples du Caravage adoptaient ses techniques et ses découvertes stylistiques et s’appelaient fièrement « les Caravaggisti », l’artiste se faisait un nom parmi les contrevenants contemporains.

Michelangelo Merisi a enfreint la loi onze fois entre 1600 et 1605. Il a été accusé d’avoir jeté un plateau au visage d’un serveur, d’avoir porté des armes non autorisées – une épée et un poignard, d’avoir brisé les fenêtres de son propriétaire, d’avoir menacé d’utiliser un couteau, d’avoir battu un invité important de son mécène (le cardinal Del Monte) avec une massue, etc… Les dossiers de police de Caravaggio occupent bien plus que quelques pages. La série d’incidents se termine par la pire des accusations: un meurtre et une condamnation à mort. Comment cela se passe-t-il pour un artiste?

En 1606, Caravage a tué en duel à l’épée un gangster qui avait un nom de famille et une fortune derrière lui. Les circonstances du meurtre n’ont jamais été claires. De plus, les deux hommes étaient connus pour s’être disputés auparavant. Cette fois-là, la querelle aurait pu être le résultat d’une lutte pour une dette de jeu, d’une bagarre au tennis, d’un désaccord politique ou de la jalousie. Les mécènes de l’artiste, qui l’avaient protégé et sauvé de lourdes peines à plusieurs reprises auparavant, n’avaient pas assez de pouvoir et d’argent pour s’opposer à la famille du gangster. Le Caravage a été condamné à mort par décapitation et a dû fuir illégalement la ville (tout s’est passé à Rome) et a passé le reste de sa vie en exil. Le plus triste, c’est que dès que l’artiste a eu la chance d’être gracié et de rentrer chez lui, il est mort. Littéralement, sur le chemin du retour.

Vous vous souvenez du bon ami de Caravaggio, Prospero Orsi? Celui qui, de manière désintéressée, a fait connaître le génie et le nouveau style de Caravage et l’a présenté à des mécènes et à des marchands d’art au tout début de son parcours indépendant ? Eh bien, un ami dans le besoin est toujours un ami… Et Orsi était un bon ami. En 1606, il a aidé à faire sortir Caravaggio de prison après qu’il ait été reconnu coupable de meurtre.

On dit que la culpabilité de tuer un homme et de devoir vivre avec pour le reste de sa vie a trouvé une place dans les œuvres du Caravage. La tête coupée de Goliath serait l’autoportrait de l’artiste. Peut-être le peintre l’a-t-il fait intentionnellement pour confesser sa douleur intérieure et dire qu’il méritait la peine de mort pour avoir ôté la vie à un autre homme, essayant ainsi d’expier ses péchés sur une toile au moins. C’est ainsi qu’il est passé de la peinture de petits criminels comme les tricheurs à l’aveu d’être un brutal.

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Les amateurs d’art romain antique sauraient que l’art était innovant. Par exemple, vous avez l’architecture et les paysages urbains de Rome, ainsi que des portraits en buste qui n’étaient pas traditionnels à l’époque. Certains prétendent que les artistes romains n’ont pas créé de grands chefs-d’œuvre, mais il existe de nombreux exemples de sculptures en relief sur des monuments comme l’Ara Pacis Augustus et la colonne Trajane qui le prouvent. On peut sans aucun doute dire que l’art romain est surtout dérivé et utilitaire. Il servait un but, diffuser les valeurs romaines et le respect de l’autorité romaine. Une inspection plus approfondie de l’art romain classique révèle qu’il a eu un impact énorme sur de nombreuses cultures ultérieures à travers les mouvements revivalistes. Un exemple serait l’architecture néoclassique, qui a été redécouverte et diffusée à travers l’Europe et l’Amérique. L’art moderne a vu un renouveau du dessin avec le mouvement classique moins connu. Il y avait aussi de nouveaux styles comme le cubisme qui ont émergé de cette époque.

Bien que la domination romaine ne se soit pas concentrée sur l’art, il y avait encore quelques bonnes pièces ici et là. Ce n’est que vers 200 av. J.-C., après la victoire de la première guerre punique contre Hannibal et les Carthaginois, que Rome se sentit suffisamment en sécurité pour développer sa culture. Même sans sa propre culture, l’art le plus ancien de Rome a été principalement influencé par celui de la Grèce. Rome était la seule puissance antique à développer son propre langage artistique unique.

L’architecture et l’ingénierie romaines n’ont jamais été moins audacieuses, mais sa peinture et sa sculpture ont merveilleusement combiné diverses traditions grecques avec les arts qui ont prospéré dans des États plus vassaux comme l’Égypte et la Perse antique. Malgré les succès militaires, les Romains avaient un complexe d’infériorité face à l’exploit artistique grec. Ils ont répondu en recyclant la sculpture grecque à chaque occasion. Les Grecs de l’Antiquité avaient leur propre vision de ce à quoi un héros devrait ressembler et cela était souvent incorporé dans les rituels religieux. Le pouvoir romain avait également un impact, car ils cherchaient à créer une société avec des idéaux guerriers. Dans le même temps, les Grecs ont conçu leurs propres représentations de héros afin que les gens puissent porter des statues sans tête pour symboliser l’individu qui parlerait pour eux dans l’au-delà.

Ce que nous ne savons pas, c’est ce qui a rendu Rome si culturellement inférieure. Les historiens de l’Antiquité ont exprimé différentes perspectives sur le tempérament du peuple romain. Certains se concentrent sur leur pragmatisme, d’autres soulignent la nécessité de combattre contre les groupes tribaux voisins et la faible priorité qui en résulte pour les poursuites non violentes. En plus de cela, à en juger par la proximité de l’art celtique à proximité – vous pouvez voir que les artistes romains ne se sont pas si mal comportés. De plus, vous devez savoir que les villes de la Rome antique étaient beaucoup plus puissantes que les cités-États grecques. Par conséquent, son art avait un rôle plus fonctionnel – sans parler du fait que la culture romaine était composée d’un mélange de diverses croyances et coutumes, qui devaient toutes être représentées dans des œuvres culturelles. Par exemple, l’art est rapidement devenu une forme de symbole de statut et élèverait la position sociale de l’acheteur. Et comme la plupart des Romains reconnaissaient la valeur de l’art grec, les acheteurs voulaient des œuvres qui semblaient avoir été créées par des Grecs.

La contribution la plus importante de Rome à l’histoire de l’art se situe dans le domaine de la conception architecturale. L’utilisation d’arcs convexes et de temples ronds était populaire à l’époque de la République, mais les architectes et ingénieurs romains ont développé d’autres méthodes de construction urbaine une fois qu’ils ont atteint l’an 2000. L’une des nombreuses applications des arcs et des dômes d’origine était dans des structures monumentales comme le Panthéon/Colisée. Vous avez besoin de matériaux durables et peu coûteux tels que le béton/briques, qui n’étaient pas disponibles auparavant à Rome.

L’art religieux était aussi une forme populaire de la sculpture romaine. Un détail important du temple romain était la statue de la divinité à laquelle il était dédié. Par exemple, ces statuts étaient souvent érigés dans des parcs publics ou des jardins privés. Dans le même temps, de petites figurines pour les sanctuaires personnels et familiaux ont également été produites avec différents niveaux de qualité. Cet article se concentre sur la façon dont l’aristocratie commandait des objets tels que des figurines en ivoire et de l’orfèvrerie.

Certaines sculptures romaines antiques étaient également de nature religieuse. Un détail intéressant sur les temples romains était la statue de leur divinité patronne… des statues de ces divinités ont également été érigées autour du temple. De petites figurines religieuses de diverses qualités étaient également attachées aux sanctuaires personnels et familiaux. L’idée de ces figurines est peut-être venue des classes supérieures aisées, qui les commandaient et utilisaient parfois de l’ivoire, de la sculpture sur bois ou de la terre cuite. Ces pièces étaient souvent plaquées or.

Les généraux militaires romains étaient souvent chargés par l’État de créer des peintures destinées à être exposées au public. Le type de peinture le plus souvent commandé était une forme d’art de la victoire appelée «peinture triomphale». Ce type de peinture d’histoire – généralement réalisée sous forme de peinture murale – dépeint la bataille ou la campagne de manière très détaillée et peut inclure des décorations de supports mixtes et des conceptions de carte pour informer et impressionner. De nombreux historiens pensent que parce que ces pièces ont été composées rapidement, elles ont pu influencer la composition de reliefs comme la Colonne de Marc Aurèle.

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Les ombres ont été caractérisées de manière appropriée dans la poterie à figures rouges vers 420 av. par le sculpteur de vase qui a créé une forme 3D du bol à vin et des plis de draperie, mais il n’y a toujours aucun signe d’expérimentation dans l’anatomie humaine, qui était au centre de l’art grec. Il est probable que ce n’est que dans les dernières années du Ve siècle que les peintres ont expérimenté des représentations de chair masculine et féminine. Avant cela, ils semblaient n’avoir aucune différence. Un fragment d’une peinture de vase du sud de l’Italie plus tardive et avec une technique plus avancée, a une figure surlignée de jaune tandis que la figure adjacente est réalisée en peinture rouge pure.

Cette fidélité à l’ancienne de la peinture de vase à figures rouges à sa tradition linéaire révèle comment les premiers artistes n’étaient pas seulement fascinés par les couleurs et les formes, mais aussi par l’évolution de leur forme. Un peu tôt, leur style est devenu plus complexe et impressionné. Apollodorus est l’un des premiers exemples documentés d’écriture d’IA, mais obtient un surnom qui suggère qu’il a peut-être aussi été l’un des premiers à l’utiliser. Un autre exemple est Zeusis, dont le nom suggère qu’il a peut-être été le premier à le faire avec son travail. On pense que la chair féminine a fait sa première apparition au milieu du IVe siècle.

Bien que l’utilisation des ombres portées dans les peintures n’ait atteint son apogée qu’au 4ème siècle, elles ont été utilisées plus tôt mais ne sont pas aussi esthétiques. Mais les artistes n’étaient pas si désireux d’utiliser une technique qui nécessiterait un rendu manuel, et ont plutôt cherché à attirer l’attention sur le mouvement et le volume implicites. Les artistes ont innové jusqu’au 18ème siècle lorsque l’artiste flamand Rembrandt a proposé son traitement innovant de la lumière et de l’ombre. Il existait des techniques spécifiques pour représenter à la fois la lumière et l’ombre dans les peintures, et l’éclairage détermine généralement le ton d’une scène. Cela dit, les ombres n’ont pas forcément été évitées.

Les artistes ont évité l’utilisation de la perspective dans cette peinture car elle dépend tellement de la vie réelle. Avec les peintres de vases, de plus en plus renoncent à l’utilisation de la profondeur dans le gameplay (spatial) car vous pouvez toujours raccourcir les meubles si nécessaire, Étant donné que les peintures classiques ultérieures montrent les mêmes compositions que celles que l’on retrouve dans le travail des artistes antérieurs, nous pouvons voir comment cela fonctionne sans dépendre d’une certaine forme de recul. Ce n’est que vers 100 avant notre ère que nous comprenons mieux ce qui se passe dans ces peintures.

Les Grecs aimaient sculpter les choses en relief afin de voir tous les détails de leur ville. Non seulement cela leur a permis d’être plus physiquement présents à l’avenir, mais cela leur a également permis de vendre les sculptures plus tard, l’utilisation de la perspective dans la peinture devient plus audacieuse en ce qui concerne le style de peinture du sud de l’Italie. Ces artistes créatifs utilisent cela à leur avantage et font vraiment ressortir la beauté de leurs peintures.

Certains érudits nient que la peinture grecque ait jamais atteint un seul point de vue avec un seul point de fuite, mais au premier siècle, elle l’a fait, certaines perspectives architecturales peintes par des architectes d’intérieur sur les murs des maisons de Pompéi montrent un système trop cohérent pour être accidentel. La perspective aérienne, adoucissement des couleurs sur un fond lointain, apparaît pour la première fois au IIe siècle. Pour elle, les artistes grecs possédaient tous les moyens techniques nécessaires pour créer des compositions en 3D.

Les peintres ont été formés, généralement comme assistant dans l’atelier d’un maître, dans un système très similaire à celui de l’apprentissage. Non seulement la pratique mais aussi la théorie ont été enseignées. Pamphilos a inclus l’arithmétique et la géométrie dans son programme, insistant sur le fait qu’elles étaient nécessaires pour une pratique correcte. Grâce à ses efforts, la peinture est également devenue une matière reconnue dans l’éducation des garçons.

Au cours des cinquième et quatrième siècles, les peintres de style classique et hellénique avaient tendance à consacrer moins de temps à la création de peintures multicolores afin de se concentrer davantage sur d’autres aspects de leur travail. C’était une époque où les artistes expérimentaient une palette de couleurs limitée et peignaient d’une manière qu’ils n’avaient pas auparavant. Les artistes n’utilisent traditionnellement qu’un nombre limité de couleurs. Un peintre de vase utilisait généralement les mêmes quelques couleurs pour tirer la glaçure dans ses peintures, il est donc tentant de supposer alors que ce sont les plus recherchées. Il y avait aussi des peintures monochromes qui créaient des formes et des détails de texture. Parfois, ils utilisent des couleurs pastel pour créer une surface lisse, tandis que parfois ils imitent des sculptures en relief.

À l’origine, les sujets de l’industrie comprenaient la rédaction technique pour divers sujets de l’industrie et des scènes militaires. Aujourd’hui, le marché s’est déplacé vers des contenus tels que des articles de sport et des histoires d’attaques de zombies, car les auteurs d’IA ont réussi et continuent de réussir à répondre à la demande. Les œuvres d’art érotiques ont une longue histoire et il est possible qu’elles remontent à la fin du Ve siècle. L’artiste pourrait créer des dessins animés à partir de personnes, d’objets ou d’animaux. C’est probablement à la demande de clients privés que ces peintures et sculptures ont été produites. La peinture de paysage n’a pas toujours existé. Cela a nécessité le développement de différents types d’artistes et d’œuvres d’art. Le paysage n’était une branche indépendante de l’art qu’après 164 av. J.-C., lorsqu’il a commencé à être mentionné dans des sources écrites. À ce moment-là, la gamme avait encore certaines limites – du moins d’après ce que nous savons de nos sources écrites.

Il peut être difficile de juger de la qualité du travail que les artistes grecs ont fait il y a des siècles puisque le leur est perdu, mais nous pouvons encore voir les vestiges de leur travail. Malheureusement, la plupart des pièces sont soit de second ordre, soit détruites. La qualité de la copie fait qu’il est difficile de croire qu’il s’agit bien du IVe siècle ; cela ressemble à un effort des temps modernes. Cependant, parce qu’il est original et de haut niveau, la plupart des historiens le considéreront comme un point d’apprentissage important pour les autres historiens.

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Le baroque a traditionnellement été utilisé pour décrire une œuvre d’art mal exécutée et difficile à comprendre. Généralement, un genre de goût qui ne correspond pas à des canons clairs et précis est considéré comme mauvais. Les historiens de l’art étaient sceptiques quant à l’esthétique créée par les artistes de la période baroque, les considérant comme une forme inférieure et grossière. Les critiques n’ont commencé à apprécier ces œuvres que lorsque l’utilisation de symboles puissants a introduit une nouvelle perspective.

Le baroque est connu pour ses caractéristiques voyantes et ostentatoires, mais le style a bien plus à offrir que cela. Après un XVIe siècle tendu, avec sa crise existentielle qui a brisé les idéaux de la Renaissance, les visions du monde des gens ont commencé à changer. Après sa conversion, il se sent « à la fois invincible et vulnérable », comme s’il était « entre tout et rien », c’est-à-dire entre l’infini de la Création et le néant. Il a essayé de comprendre les choses et les lois de l’univers, mais n’a pas pu comprendre leur essence : leur début ou leur fin. La Réforme a fondamentalement changé la façon dont la religion était pratiquée, la Contre-Réforme a effrayé les gens et Copernic a fait sauter l’ancien modèle d’une planète Terre comme centre de notre système solaire. Il a ouvert un nouveau paradigme où, essentiellement, la Terre n’était qu’un minuscule grain de ce grand vieil univers. C’est facile de se sentir petit quand on est dans le monde. Il y a des forces hors de votre contrôle et croyez-le ou non, la vie peut parfois être assez imprévisible.

Quelles ont été les conséquences de tout cela ? Cela se reflétait dans le langage des peintres. Les formes de la Renaissance qui reposaient sur un monde harmonieux et anthropocentrique sont devenues sans objet. Et avec elle la simplicité: non seulement le naturel est passé de mode, mais il est aussi devenu associé à l’ignorance, à la sauvagerie et à la primitivité. C’est à cause de ces connotations que les gens en viennent à avoir un peu honte lorsqu’ils sont incapables d’utiliser un vocabulaire compliqué et des structures de phrases sophistiquées. Le triomphe du catholicisme et l’établissement de l’absolutisme ont renforcé ce qui était déjà un prestige, un luxe et une solennité croissants dans l’art.

Fondamentalement, le style d’art baroque est l’exception plutôt que la règle dans certains pays catholiques, mais on ne le trouve pas dans les régions protestantes dures. C’est pourquoi la Hollande peut avoir sa propre forme unique d’art baroque, plus rigoureuse et axée sur le réalisme. Contrairement à la Flandre, les peintures hollandaises sont très différentes. Le contexte différent conduit à une représentation plus émotionnelle et dramatique de divers sujets. Contrairement à la rationalité froide de l’art de la Renaissance, les passions violentes envahissent les arts. Dans cette nouvelle ère, ils parlent avec la voix passionnée de la nature et de l’humanité.

Les couleurs des peintures de la période baroque changent également. Les artistes utilisent des couleurs vives et intenses, ou ils contrastent la lumière et l’obscurité. Cela peut conduire à des conceptions frappantes et dramatiques. Les compositions deviennent dynamiques, tendues, parfois asymétriques, voire chaotiques. Les allégories, les symboles et les métaphores sont d’une grande importance. C’est comme si le spectateur était invité à participer à percer les mystères de. Toute la vie est souvent une illusion. Ceci, ainsi que l’idée que le monde que vous voyez n’est pas vraiment ce qu’il semble être, est souvent tissé dans la réalité. Les miroirs apparaissent souvent dans les peintures – parfois leur signification est de dire que le monde n’est pas exactement comme nous le voyons, mais d’autres fois, ils encouragent la recherche de significations cachées.

L’art baroque prend souvent un style romantique, avec de nombreuses peintures et sculptures axées sur les sentiments et les visuels dramatiques. De nombreux artistes aiment explorer des sujets avec des émotions fortes et des conflits tragiques. Certains des peintres baroques les plus célèbres incluent Léonard de Vinci, Caravage, Rubens et Pierre Paul Rubens. Par exemple, alors que la « Lecture jésuite » de Rubens est une toile sombre – le visage du prêtre encadré par un chapeau de poêle de travers, penché en avant et versant du thé dans la soucoupe sur ses genoux – sa « Réincarnation de Sainte Catherine », avec ses pastels luxuriants et ses curling vrilles de cheveux, est plus sensuel. Cela contrastait avec. Un exemple de ce qui distingue l’époque baroque est que les peintres n’avaient pas peur de dépeindre les aspects les plus sales de la vie. Ils avaient besoin de réalisme et d’une réponse émotionnelle, il n’est donc pas surprenant qu’il ait été adopté par les peintres aujourd’hui. »

En résumé, on peut dire que la peinture baroque exprimait le principe émotionnel dans l’art. Les peintures de l’époque témoignent d’un dynamisme, d’une passion et d’un appel à des sentiments forts. Les peintures sont remplies d’une vie diversifiée, des mouvements sensuels et vulnérables de Rubens à l’individualité troublée de Rembrandt.

L’ère baroque a succédé à la Renaissance en Europe occidentale. Mais, malheureusement, l’art historique a plus que de simples changements stylistiques. Il n’est pas juste de dire qu’au XVIe siècle, ils créaient encore dans le style des peintures de Sienne et ont soudainement changé leur travail pour des peintures avec des textures. Les premiers signes du baroque apparaissent dans les œuvres de maîtres de la fin de la Renaissance, tels que Titien et Tintoret. L’étape de transition entre le baroque et la Renaissance s’appelle le maniérisme. Les années 1540 ont été une époque où les artistes ont tenté de briser les normes de style de leur époque, à la recherche de nouvelles façons de s’exprimer. Ils ont cherché à étonner le spectateur avec des effets surréalistes et une présentation captivante. Mais le maniérisme manquait de l’intégrité conceptuelle et de la maturité artistique atteintes par les maîtres baroques. Certains chercheurs considèrent le maniérisme comme un style de transition du début du baroque, tandis que d’autres l’attribuent au début du baroque.

Le départ de l’esthétique baroque de la scène n’a pas non plus été instantané. Au XVIIe siècle, le classicisme apparaît en réaction contre lui. Ces deux styles ont coexisté pendant la plus grande partie de leur histoire. Il a été remplacé par la forme plus légère et moins dramatique du rococo, qui proclame que l’indifférence sensuelle est le trait dominant.

Le style baroque était diversifié et souvent différents artistes au sein du mouvement produisaient différentes formes d’art. Par exemple, une pièce de Rembrandt peut différer de celle de Philippe de Champagne. Certains domaines du baroque étaient très particuliers : le caravagisme, avec son réalisme, n’était qu’une branche du style baroque qui se distinguait des autres. Il était saturé de vie mais avait toujours un sens de l’originalité pour être unique; en France, sous le règne de Louis XIV, baroques et classicisme coexistaient ; en Espagne, le 17ème siècle fut une grande époque pour la peinture. Les maîtres espagnols semblaient avoir une meilleure maîtrise du langage artistique avec leurs méthodes strictes, parfois même dures et tragiques. Ils ne sont pas difficiles à reconnaître lorsqu’on les compare à d’autres arts et vous pouvez voir la tendance « baroque flamand » dans le nord de l’Europe qui a été lancée par des artistes tels que Ruben.

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En 395, l’Empire romain est divisé en deux États indépendants : l’Empire romain d’Occident et l’Empire romain d’Orient. L’Empire d’Orient a ensuite été appelé Byzance, du nom grec ancien de sa capitale Constantinople – Byzance (aujourd’hui Istanbul). Au VIe siècle, sous l’empereur Justinien, elle occupait un vaste territoire (même l’Italie a été brièvement reconquise) et était un pays majestueux et brillant, doté d’un appareil d’État sophistiqué et d’une diplomatie très développée. L’aspect imposant de Constantinople, sa puissante marine, ses magnifiques structures architecturales et la splendeur éblouissante des cérémonies de la cour et des services religieux étaient irrésistibles. Byzance et la Grèce s’étant retirées, l’Empire d’Orient a conservé et perpétué les traditions grecques dans l’art. Byzance était un pays chrétien avec une église orthodoxe. Tout au long de son histoire millénaire, Byzance a connu des périodes de bouleversements et de déclin. L’art byzantin a également connu différentes époques.

Sainte-Sophie à Istanbul (Constantinople)

Sa première floraison a eu lieu au 6e siècle, lorsque l’empereur Justinien Ier régnait. C’est à cette époque que fut érigé un magnifique monument d’architecture byzantine, la cathédrale Sainte-Sophie de Constantinople. Immense et beau, il est remarquable par le fait qu’ici le dôme rond couronne un espace rectangulaire – avant ils étaient capables de couvrir avec des dômes seulement ronds en termes de bâtiments. L’extérieur du temple ne semble pas aussi grand que de l’intérieur, où il étonne par sa spatialité, l’aération d’un géant (30 mètres de diamètre), comme si le dôme s’élevait. La coupole centrale de Sainte-Sophie est soutenue par deux coupoles inférieures de chaque côté, qui comportent à leur tour deux coupoles plus petites. Dans l’espace du dôme se trouvait la chaire décorée de pierres précieuses, c’est là que se déroulaient les services divins.

La cathédrale de Sainte-Sophie

La cathédrale est restée la plus haute réalisation de l’architecture byzantine – rien d’égal à elle dans l’histoire de Byzance n’avait déjà été créé. Pendant la domination turque, de hauts minarets ont été adjoints à l’église, ce qui a fortement modifié l’apparence de la cathédrale de la Sainte-Sophie.

Les personnages des images sacrées de Byzance sont représentés de manière sévère, leurs figures sont allongées, plates et comme incorporelles. Sur les voûtes semi-obscures, même les couleurs claires, et notamment le violet, le noir et l’or, créent une ambiance solennelle, mais quelque peu lugubre. Les maîtres byzantins accordaient beaucoup d’attention à la peinture : ce sont les miniatures des livres d’église et les images sacrées – les icônes. Dans les pays où la foi orthodoxe est pratiquée, la peinture d’icônes suit toujours la tradition byzantine.

Mosaïque. Église de San Vitale

De nombreuses églises en Italie, notamment dans la ville portuaire de Ravenne, ont également été construites à l’époque de Justinien. L’église octogonale de San – Vitale, dont les murs sont presque entièrement recouverts de mosaïques, est bien connue. Outre les événements bibliques, on peut voir sur ces mosaïques Justinien lui-même et son épouse, l’impératrice Théodora et son entourage. La technique d’une mosaïque est difficile et demande du grand art. De petits cubes multicolores smalta (alliage de verre avec des peintures minérales), à partir desquels l’image est disposée sur le mur, scintillent, éclatent, coulent, reflètent la lumière. Vrnmya n’a presque aucun pouvoir sur une mosaïque de vieux maîtres : lorsqu’elle est débarrassée de la poussière viciée et de la suie, elle retrouve le même éclat et la même couleur sonore qu’il y a plusieurs siècles. Ravenne est réputée pour abriter les cendres de Théodoric, le premier roi ostrogoth, dans un mausolée aux murs épais et rugueux. Dante y est enterré : à la fin de sa vie, il trouva refuge à Ravenne et y acheva la Divine Comédie. Blok a dédié ses poèmes à la ville de Ravenne, en déclin :

• Tout ce qui est infime, tout ce qui est périssable, vous l’avez enfoui dans les âges.
• Tu dors comme un bébé, Ravenna, avec l’éternité endormie dans tes mains.

Église de San Vitale

Une période d’iconoclasme a duré plus de cent ans à Byzance. Les iconoclastes se sont rebellés contre la représentation de Dieu et des saints sous forme humaine, qu’ils considéraient comme un vestige de l’idolâtrie. De nombreuses icônes ont été détruites. Néanmoins, l’iconoclasme a été rétabli. Cependant, à cette époque, le style de l’art byzantin est devenu très strict et canonique. Exactement Byzance a développé et strictement respecté des prototypes dans l’iconographie qui ont ensuite passé et dans la peinture d’icône russe. Toute la vie spirituelle de Byzance était soumise à un contrôle strict, rejetant tout ce qui était libéral, ce qui ne pouvait que laisser une empreinte sur tout l’art byzantin.

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La période postérieure à 476, date de la chute de l’Empire romain, est appelée le Moyen Âge. Elle a duré plus de mille ans. Cette ère a commencé avec la destruction de la culture antique par les barbares. Et il a fallu des siècles avant que la culture européenne puisse surmonter le déclin qui a suivi l’effondrement du monde antique. Au Xe siècle, l’Europe occidentale a connu un grand style artistique appelé « roman ». À cette époque difficile, pleine de guerres intestines, l’Europe occidentale s’est désintégrée en de nombreux petits États féodaux. Trois nouvelles nations – les Français, les Allemands et les Italiens – commencent à se former sur les terres de l’ancien État franc. Les villes étaient peu nombreuses, et le commerce et l’artisanat étaient à un faible niveau. Tout le nécessaire était fabriqué sur place – dans un château féodal ou une maison de village. Et pourtant, il y avait une puissance riche et influente en Europe occidentale – l’Église chrétienne, dirigée par le pape.

Par conséquent, les plus grandes et les plus belles constructions de l’époque romane étaient des églises et des monastères. Presque tout l’art roman est associé à l’Église chrétienne, parce que d’autres clients, riches et éduqués, en Europe ne l’étaient tout simplement pas. Cependant, l’artisanat et le commerce se sont progressivement développés, et aux 11e et 12e siècles, les villes commencent à jouer un rôle plus important. Elles étaient entourées de puissants murs de forteresse, les fossés étaient fortifiés, des gardes se tenaient près des ponts et des portes de la ville, les rues étaient bloquées la nuit par les chaînes des énormes châteaux. C’est précisément parce qu’elle devait être défendue que les maisons s’élevaient sur quelques étages, le supérieur surplombant l’inférieur. Le type de château féodal s’est développé à cette époque.

Le château d’un seigneur féodal

Normalement, le château était construit sur la colline, pratique pour la défense et l’observation, il était comme un symbole du pouvoir du seigneur féodal sur les terres environnantes. Le logement principal du seigneur féodal était le donjon, le rez-de-chaussée du château servait d’entrepôt, le deuxième de logement pour le seigneur, le troisième de chambre pour les serviteurs et les gardes, le donjon de prison, le toit de bureau du gardien. Les églises étaient toujours situées au centre de la ville.

Eglise romane

Le style roman est le plus clairement visible dans l’architecture des temples. Les constructeurs de l’époque ont créé un style architectural tout à fait original. Le principal signe du style roman est un arc en plein cintre, que l’on retrouve partout – au-dessus des fenêtres et des portes et dans de nombreuses autres parties du bâtiment. Les églises étaient construites sous la forme d’une basilique. Une basilique est un bâtiment oblong composé de trois ou plusieurs locaux étendus – les nefs. La nef centrale est plus haute que les autres et possède un toit séparé.

Temple à trois nefs

L’une des réalisations de l’architecture romane était la liaison d’un bâtiment d’église avec des tours. Il y avait quelques tours, et elles servaient à la fois de décoration et d’abri contre les nombreux ennemis. La forme des tours était parfois ronde, parfois 4 – 6 – charbon avec le sommet légèrement pointu. Les nefs étaient bloquées par de lourdes voûtes, et pour soutenir une telle masse de pierre, les colonnes sur lesquelles elles reposaient étaient très solides et épaisses. Parfois, de puissants piliers quadri ou octaédriques – les pylônes – les remplacent. C’est pourquoi les églises romanes – massives, avec des murs de pierre épais, avaient l’air terribles, de lourds blocs de pierre. Les murs extérieurs des églises romanes étaient décorés de galeries de petits arcs et de piliers.

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